2015년 개정 영어 독해와 작문 동아 권혁승 2과 본문 해석 영어오디오 The Cut-Outs

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Henry Matisse:

The Cut-Outs

컷아웃 작품들(오려서 만든 작품들)

 

Born in northern France in 1869, Henri Matisse was a revolutionary artist of the early 20th century.

1869년 프랑스 북부에서 태어난 Henry Matisse는 20세기 초반의 혁신적인 화가였다.

 

Influenced by Impressionism, he challenged the idea of what art should be through his new use of color and form.

인상주의의 영향을 받아서, 그는 색과 형태의 새로운 사용을 통해 예술이 어떠해야 한다는 개념에 도전했다.

 

Best known for the expressive color and form of his artistic style, Matisse is often referred to as "the magician of color."

예술적 화풍에 있어서 풍부한 표현의 색과 형태로 가장 잘 알려진 Matisse는 '색채의 마술사'로 종종 언급된다.

 

In the early 1900s, Matisse developed a new style.

1900년대 초, Matisse는 새로운 화풍을 개발했다.

 

He expressed emotion through wild colors that had nothing to do with the natural colors of the subject.

그는 대상의 자연스러운 색과는 상관이 없는 거친 색을 통해 감정을 표현했다.

 

In his 1905 painting, Woman with a Hat, Matisse used bright and unnatural colors to paint the woman.

그의 1905년 작품인 '모자를 쓴 여인'에서, Matisse는 여인을 그리는 데 밝고 부자연스러운 색을 사용했다.

 

The colors brought a different level of emotion to the painting.

그 색들은 그 그림에 다른 수준의 감정을 불러일으켰다.

 

This new style of art was called Fauvism.

이러한 새로운 미술 화풍은 야수파라고 불렸다.

 

Matisse was the leader of the Fauvist movement.

Matisse는 야수파 운동의 선구자였다.

 

After finding his own style, Matisse enjoyed a greater degree of success.

자신만의 화풍을 찾은 후, Matisse는 큰 성공을 누렸다.

 

All through his long career, he refreshed his creative energies by challenging himself in various artistic fields.

오랜 작업경력 내내, 그는 다양한 예술 분야에 스스로 도전함으로써 그의 창의적인 에너지를 새롭게 했다.

 

He turned from painting to drawing, sculpture, book illustration, and other forms of artistic expression.

그는 회화에서 소묘, 조각, 도서 삽화, 그리고 다른 형태의 예술적 표현으로 방향을 바꿨다.

 

Drawing with Scissors

가위로 그리기

 

In 1941, when he was 70, Matisse was diagnosed with cancer and surgery left him unable to walk.

1941년 70살이 되었을 때, Matisse는 암 진단을 받았고, 수술로 인해 걸을 수 없게 되었다.

 

He was confined to his bed and to a wheelchair.

그는 침대와 휠체어에 매이게 되었다.

 

His creativity, however, was not to be darkened for long.

그러나 그의 창의력은 오랫동안 어둠 속에 있지는 않았다 .

 

Coping with the difficulties of old age and illness, Matisse turned to "drawing with scissors," making cut-out artwork.

노령과 질병의 어려움을 극복하면서 Matisse는 '가위로 그리기', 즉 오려서 예술 작품을 만드는 것으로 방향을 바꿨다.

 

By using scissors and sheets of paper, he started a new phase of his career.

가위와 여러 장의 종이를 사용함으로써, 그는 그의 경력에 있어 새로운 국면을 시작했다.

 

Matisse called the last 14 years of his life "a second life."

Matisse는 그의 인생의 마지막 14년을 '두 번째 삶'이라고 불렀다

 

The cut-out process consisted of four steps.

컷아웃 과정은 네 가지 단계로 구성되어 있다.

 

After purchasing raw materials — paper and gouache (a type of paint), studio assistants cut rectangular sheets of paper from large rolls and painted them with gouache.

원료인 종이와 구아슈(물감의 한 종류)를 구매한 후에, 작업실 조수들은 큰 두루마리에서 직사각형 모양의 종이들을 잘라 구아슈로 칠했다.

 

Matisse then cut shapes from these painted sheets, using a pair of scissors.

그러면 Matisse는 가위 한 자루를 이용하여 색칠한 종이들로부터 모양들을 오려냈다.

 

After cutting the shapes, the next step was pinning the cut pieces of paper to the walls of his studio.

모양들을 오려 낸 후의 다음 단계는 오려 낸 종잇조각들을 작업실의 벽에 고정시키는 것이었다.

 

He directed his assistants to arrange and rearrange the pieces until he was completely satisfied with the results.

그는 결과에 완전히 만족할 때까지 그의 조수들에게 종이를 배열하고 재배열하도록 지시했다.

 

When the desired balance of color and form was achieved, the finished composition was glued to paper, canvas, or board.

색과 형태의 바라던 균형이 이루어졌을 때, 완성된 작품이 종이나 캔버스 천, 또는 판에 붙여졌다.

 

The Cut-Out Process

 

Step 1. Painting sheets of white paper

1단계 하얀 종이에 색칠하기

 

Step 2. Cutting out different shapes with a pair of scissors

2단계 가위 한 자루로 각각 다른 모양들을 오려 내기

 

Step 3. Pinning the shapes to the walls and arranging them

3단계 벽에 모양들을 고정시키고 배열하기

 

Step 4. Gluing the finished work to paper, canvas, or board

4단계 완성된 작품을 종이나 캔버스 천, 또는 판에 붙이기

 

Of the four steps, the pinning of images to the wall was the longest and most critical.

네 단계 중에서, 이미지를 벽에 고정하는 것이 가장 오래 걸리고 가장 중요했다.

 

As an example, let's take a look at how Creole Dancer was completed.

한 예로, 'Creole 무희'가 어떻게 완성되었는지를 살펴보자.

 

The dancer dances colorfully across the page, but she looks different with different backgrounds.

무희는 페이지를 가로질러 화려하게 춤을 추지만, 그녀는 각기 다른 배경에 따라 다르게 보인다.

 

The image of the dancer looks livelier when placed against a colorful checkerboard than when placed against a black background.

무희의 이미지는 검은 배경에 놓여 있을 때보다 형형색색의 장기판 모양에 놓여 있을 때 더 활기차게 보인다.

 

For months, various pieces of this image were pinned to the wall of Matisse's studio.

수개월 동안, 이 이미지의 다양한 조각들이 Matisse의 작업실 벽에 붙여졌다.

 

He spent hours and hours trying each piece in different positions and on different backgrounds.

그는 각각의 조각을 다른 위치와 다른 배경에 놓아 보면서 오랜 시간을 보냈다.

 

When he felt certain he had discovered the best composition, he glued the image in place.

그가 최고의 구성을 찾았다고 확신했을 때, 그는 그 이미지를 제자리에 붙였다.

 

Matisse's Masterpiece Chapel of the Rosary

Matisse의 대표작 Rosary 성당

 

Matisse also employed cut-outs to design the stained-glass windows for the Chapel of the Rosary.

Matisse는 Rosary 성당의 스테인드글라스 창문을 디자인하는 데에도 컷아웃 기법을 이용했다.

 

It was a project he took on as a token of thanks for a young woman who had nursed him after the surgery.

그것은 수술 후에 그를 간호해 주었던 젊은 여자에 대한 감사의 표시로 그가 맡은 프로젝트였다.

 

During his long recovery from cancer, Matisse was helped by this young nurse, called Monique Bourgeois.

오랫동안 암에서 회복하는 동안에, Matisse는 Monique Bourgeois라는 젊은 간호사의 도움을 받았다.

 

She took care of him with great tenderness.

그녀는 매우 친절하게 그를 돌보았다.

 

In 1943, Bourgeois became a nun and later visited Matisse and told him of her plans to build a chapel.

Bourgeois는 1943년에 수녀가 되었고, 그 후에 Matisse를 찾아와서 성당을 짓겠다는 그녀의 계획을 말했다.

 

She asked Matisse if he could help with the design of the chapel.

그녀는 Matisse에게 성당의 설계를 도와줄 수 있는지 물었다.

 

That's how he came to be involved in the project.

이것이 Matisse가 그 프로젝트에 참여하게 된 계기이다.

 

Matisse spent more than four years working on the chapel and completed it in 1951.

Matisse는 4년 넘게 성당 작업을 해서 1951년에 완성했다.

 

He designed the interior, murals, decorations, and stained-glass windows.

그는 내부, 벽화들, 장식들 그리고 스테인드글라스 창문들을 디자인했다.

 

From the outside, the chapel can be recognized by its blue and white tiles and 13-meter-high iron cross.

밖에서 봤을 때, 그 성당은 파란색, 하얀색 타일들과 13미터 높이의 철 십자가로 알아볼 수 있다.

 

It is simple and harmonious, as is the white interior of the chapel.

외부의 모습은 성당의 하얀 내부처럼 간결하면서도 조화를 이루고 있다.

 

When light comes through the stained-glass windows and splashes colors everywhere, one feels as if one were inside a colorful painting created by Matisse.

빛이 스테인드글라스 창문들을 통해 들어와서 모든 곳을 색으로 알록달록하게 만들 때, 사람들은 자신이 Matisse가 만든 형형색색의 그림 안에 있는 것처럼 느끼게 된다.

 

Matisse regarded this work as the fruit of his whole working life.

Matisse는 이 작품을 그의 작품 인생 전체의 산물이라고 여겼다.

 

He said, "In spite of all its imperfections, I consider it my masterpiece."

그는 "불완전함에도 불구하고, 나는 그것을 나의 대표작이라고 생각합니다."라고 말했다.

 

Matisse worked until the end of his life in 1954.

Matisse는 1954년 삶의 마지막 순간까지 작업했다.

 

As he once wrote, he sought to create art that would be "a soothing and calming influence on the mind, like a good armchair that provides relaxation from physical fatigue."

그가 예전에 썼 듯이, 그는 '육체적인 피로로부터 휴식을 주는 좋은 안락의자처럼, 마음을 달래 주고 차분하게 해 주는' 예술 작품을 만드는 것을 추구했다.

 

He made an important contribution to collage with a series of works using colorful cut-out shapes.

그는 형형색색의 오려 낸 모양들을 사용한 일련의 작품들로 콜라주를 만드는 데에 중대한 공헌을 했다.

 

Enduring physical hardship, he made the unthinkable possible.

육체적인 고통을 견디면서, 그는 상상도 할 수 없는 것을 가능하게 만들었다.

 

His mastery of paper-cutting elevated what had been a children's art activity into a real art form.

종이를 자르는 일에 능통해지면서 아이들의 미술 활동이라고 불렸던 것을 진정한 예술의 형태로 승화시켰던 것이다.

 

Matisse is now recognized as one of the most innovative and influential artists of the 20th century.

Matisse는 이제 20세기에서 가장 혁신적이고 영향력 있는 예술가 중에 한 사람으로 인정받고 있다.

 

Further Reading

 

The Korean Art of Painting Buildings:

한국의 회화적 건축물의 예술:

 

Dancheong

단청

 

Dancheong, which literally means "red and green," refers to the beautiful five-colored designs found on the pillars, eaves, and ceilings of traditional Korean wooden buildings.

단청은 문자 그대로 '빨간색과 초록색'을 의미하는데, 그것은 전통적인 한국 목조 건물의 기둥과 처마, 지붕에서 찾아볼 수 있는 아름다운 다섯 가지 색의 디자인을 말한다.

 

Dancheong has not only a decorative function but also a protective one, preserving a building's wood from rotting due to wind, rain, and animals.

단청은 장식적인 기능을 갖고 있을 뿐만 아니라, 보호하는 기능도 있어서 건축물의 목재가 바람이나 비, 동물로 인해 썩지 않도록 보호해 준다.

 

A building painted with dancheong emphasized its resident's status, and its bright colors were also believed to protect the building from evil spirits.

단청으로 칠한 건축물은 거기에 살고 있는 사람의 지위를 강조했고, 또한, 단청의 밝은 색들은 악령으로부터 건물을 보호해 준다고 믿어졌다.

 

Dancheong consists of five basic colors: blue, red, black, white and yellow.

단청은 파랑, 빨강, 검정, 하양, 그리고 노랑의 다섯 가지 기본 색들로 구성된다.

 

These colors can be mixed together to form countless other colors, and were thought to create harmony and balance.

이 색들은 함께 섞여서 셀 수 없이 많은 다른 색들을 만들어 낼 수 있고, 조화와 균형을 만들어 낸다고 여겨진다.

 

Dancheong's harmonious combination of colors represents the ancient Koreans' desire for stability and peace in their lives.

단청의 조화로운 색들의 결합은 옛 한국인들의 삶에 대한 안정감과 평화에 대한 갈망을 나타낸다.

 

Dancheong is now difficult to find because Koreans today no longer paint dancheong on the pillars or ceilings of their homes.

단청은 지금은 찾아보기 어려워졌는데, 이는 오늘날의 한국인들이 더 이상 그들 집의 기둥이나 천장에 단청을 칠하지 않기 때문이다.

 

However, this does not mean that it has disappeared entirely.

그러나 이것이 단청이 완전히 사라졌다는 것을 의미하는 것은 아니다.

 

Modern artists and designers are reviving dancheong, using it as inspiration for new designs in painting, architecture, clothing, furniture, and on the stage.

현대의 예술가들과 디자이너들이 단청을 되살리고 있는데, 단청을 회화, 건축, 의상, 가구, 그리고 무대 위에서 새로운 디자인에 대한 영감을 주는 것으로 활용하고 있다.

 

Dancheong's colors and designs are drawing people to rediscover its worth and beauty.

단청의 색들과 디자인들은 사람들로 하여금 그 가치와 아름다움을 재발견하도록 하고 있다.